Exposições

Imagem: Álvaro Siza, image from Sketchbook nº110. Col. Álvaro Siza Fonds - Canadian Centre for Architecture, Montréal (CCA).

 

 

Em Loop: Filmes da Coleção de Serralves reúne uma seleção de filmes, compilados em projeção contínua, organizada em três momentos. O primeiro momento (12 a 17 de setembro) mostra um conjunto de filmes que, de uma forma geral, aborda as ideias de tempo e de memória. Os filmes que constituem o segundo momento (18 a 23 de setembro) recorrem, de modos diversos, a linguagens e técnicas da televisão, do vídeo e da publicidade e refletem sobre esses universos. O terceiro e último momento (24 a 29 de Setembro) relaciona-se com a performance e com a presença de várias práticas performativas registadas em filmes e vídeos, que existem e se impõem enquanto objetos autónomos.

Na sua V edição, a instalação "Há Luz no Parque” representa um momento especial de programação do Parque de Serralves. Nos meses de verão, o Parque é aberto ao público em horário noturno, convidando os visitantes a participar de experiências e vivências ambientais e culturais diferenciadoras. Para tal, vários percursos, árvores e elementos construídos icónicos, são decorativamente iluminados, projetando um jogo de luz na criação de novos cenários que se centram na Alameda dos Liquidâmbares, no Lago e na Quinta. O programa de atividades que acompanha o período de vigência da instalação, apresenta visitas orientadas ao Parque, que numa experiência noturna, realçam e mostram a convergência entre o plano natural e artístico e, em simbiose, contam histórias e reforçam o património natural notável, numa descoberta da vida que desperta à noite.

Nota: Durante o Há Luz no Parque, a Casa de Chá estará aberta às sextas-feiras e sábados, das 21h30 às 23h30.

Acesso: 5€ (gratuito até aos 12 anos), 50% desconto para Estudantes e >65 

A exposição Viagem ao Princípio: Ida e Volta. Coleção de Serralves 1989–2019 assinala o 30.º aniversário da Coleção da Fundação de Serralves através da apresentação de obras da sua coleção  que, de alguma forma, têm um significado e um lugar destacado na génese e na história da Coleção e do Museu. Ou porque fizeram parte do grupo do núcleo seminal de obras  reunidas com vista à constituição do Museu e da Coleção, ou porque foram produzidas especificamente para Serralves (para o espaço da Casa, do Museu ou para outros espaços na cidade sob encomenda de Serralves) ou ainda porque a sua primeira apresentação pública ocorreu em Serralves ou porque aí integraram grandes exposições individuais (e recordadas como momentos fundamentais quer no percurso dos artistas quanto da história da instituição). 

Esta é uma forma de escrever a história de Serralves e de sublinhar o seu papel fundamental nos percursos de artistas reconhecidos, traduzido numa relação suficientemente especial entre eles e o Museu para que muito frequentemente tenham sido produzidas e apresentadas (e adquiridas) obras inéditas.

Álvaro Lapa, António Dacosta, Ângelo de Sousa e Joaquim Rodrigo são alguns dos artistas que estiveram ligados a Serralves desde os seus primórdios e cujas obras integraram o núcleo constituído pela então Secretaria de Estado da Cultura. Entre os artistas que apresentaram trabalhos especificamente realizados para Serralves estão Mathieu Abonnenc, André Cepeda, Hamish Fulton, Runa Islam, Albuquerque Mendes, Charlotte Moth, Maria Nordman, Lygia Pape, Augusto Alves da Silva, Mariana Silva e Simon Starling que serão apresentados ao lado de artistas que tiveram importantes exposições em Serralves, casos de, entre outros, Pedro Cabrita Reis, Luc Tuymans ou Lothar Baumgarten.

Também a Casa de Serralves foi palco de grandes exposições individuais e inspiração para projetos e obras especificamente concebidos para os seus espaços. É o caso de artistas como Pedro Barateiro, Ana Jotta, Nick Mauss, Antoni Muntadas, Richard Tuttle e Luc Tuymans. Nesta exposição serão apresentadas algumas das obras nos locais da Casa para que foram concebidas, assim como obras anteriormente apresentadas noutros locais e agora instaladas na Casa, possibilitando novas leituras e interacções.

Imagem: excerto de Sol LeWitt "Lignes en quatre directions et toutes leurs combinaisons”, Bordeaux, Capc Musée d’art contemporain, 1983

A exposição inaugural da Casa do Cinema Manoel de Oliveira incide sobre as múltiplas representações da casa no cinema do realizador, tendo por foco o filme Visita ou Memórias e Confissões (1982). Produzido numa altura em que Oliveira, já septuagenário, se viu forçado a abandonar a casa onde habitou com a família durante mais de quarenta anos, com a determinação de só ser apresentado postumamente, Visita estava predestinado a um estatuto paradoxal: filme de balanço, de memórias e confissões, onde o cineasta recorda o passado ao mesmo tempo que discorre sobre as suas convicções cinematográficas. Visita é também um filme onde se antecipam muitas das realizações — de resto, a parte mais substancial da obra — que, inesperadamente, estavam ainda por vir. O tom é marcado pela despedida (de um lugar, da própria vida), mas o filme acabaria por ser mais profético do que testamentário.

Nele encontramos a mais eloquente expressão da importância que o espaço da casa assume no cinema de Manoel de Oliveira, e que se desdobra nas muitas outras casas que povoam a sua obra: aquelas que dão para a rua, como em Aniki Bóbó (1942) e A Caixa (1994) ou que, pelo contrário, enclausuram no Convento (1995) os diabólicos dilemas da intimidade de um casal. A casa-teatro da farsa burguesa em O Passado e o Presente (1972), a casa-prisão de Benilde ou a Virgem Mãe (1975), as duas casas rivais que precipitam a tragédia em Amor de Perdição (1978) ou os desenganos românticos de Francisca (1981). As casas arruinadas que, com vista para os prósperos solares vinhateiros do Douro, atiçam a erótica social em Vale Abraão (1993) ou comportamentos incendiários em O Princípio da Incerteza (2002). A casa-palco de Mon Cas (1986), onde o cinema é compelido a enfrentar-se teatralmente a si próprio, ou a casa-túmulo de O Dia do Desespero (1992), onde o realizador teatraliza a sua identificação com Camilo Castelo Branco. A casa-navio de Um Filme Falado (2003), a casa-ilha de Party (1996) ou a casa-mundo, asilo de alienados em A Divina Comédia (1991). A casa de onde se foge em O Gebo e a Sombra (2012) ou onde inevitavelmente se regressa em Je rentre à la maison (2001). O estranho caso dessa casa, simultaneamente origem e fim, que, a meio caminho entre recordações e ruínas, é percorrida entre Viagem ao Princípio do Mundo (1997) e Porto da Minha Infância (2001). Ora servindo de motivo para um retrato social do país e uma inquirição do estado do mundo, ora instituindo a construção biográfica do autor como espaço de derivação e centro de gravidade de toda a sua obra, ora, ainda, abrindo portas para o questionamento do ato de filmar e da natureza do cinematográfico, eis algumas das casas que será possível visitar nesta exposição e no ciclo de cinema que a acompanha.

Cenário, temática, símbolo, entidade dramática ou palco, a casa é o território onde se funda a relação entre o privado e o público, o individual e o coletivo. Não é por acaso que este filme da intimidade constitui um primeiro ensaio para NON ou a Vã Glória de Mandar, o grande fresco com que, volvida uma década, Oliveira questiona toda a História de Portugal, desde Viriato à Revolução de 1974. Este choque de escalas estende-se, em Visita, à tensão entre palavra e imagem, entre registo documental e recriação ficcional, entre o visível e o invisível que, além de fazerem do espaço um condensador de tempos diferentes, fazem deste filme — nisso se assemelhando a uma casa — um lugar denso onde se acumulam diálogos e olhares cruzados entre passado, presente e futuro.

Filme de partida e filme de regresso, Visita ou Memórias e Confissões mostra, como nenhum outro filme, que o cinema é uma arte espectral. Um dispositivo fantasmagórico que Manoel de Oliveira nos dá a ver — dando-se a ver — para, numa última palavra e numa derradeira imagem, demonstrar que é possível habitar um filme como se habita uma casa.

Exposição documental - O Acervo

Joan Jonas (Nova Iorque, 1936) é uma pioneira da vídeo arte e performance e uma aclamada artista multimédia cuja obra engloba vídeo, performance, instalação, som, texto e desenho. Figura central da performance nos finais dos anos 1960, a sua prática artística foi fundamental para o desenvolvimento de muitos géneros artísticos contemporâneos, desde a performance e o vídeo até à arte conceptual e teatro, sendo atualmente considerada uma das vozes mais influentes na arte contemporânea, em particular para novas gerações de artistas.

 

Exposição que reúne livros, revistas, fanzines, múltiplos e materiais gráficos (cartazes, folhetos, flyers) editados de forma independente no Porto entre 1999, ano de abertura do Museu de Arte Contemporânea de Serralves, e a atualidade. Além de refletir a vitalidade e diversidade dos muitos espaços artísticos independentes que funcionaram na cidade nos últimos 20 anos – uma parte dos materiais apresentados foi concebida para acompanhar, divulgar e em alguns casos para financiar a programação destes projetos –,  "Biblioteca na Biblioteca” dedica-se, em grande medida, a apresentar objetos realizados noutras áreas, especialmente exploradas no Porto – banda desenhada, design, arquitetura e música, nomeadamente. 

Os materiais que constituem a mostra são, além de expostos, consultáveis pelo público. Espera-se que o diálogo com determinados colecionadores (que cederam parte dos seus espólios) que ajudou a definir a exposição possa ampliar-se durante o período em que esta estará aberta ao público, e que novos interlocutores possam contribuir com mais materiais para esta "Biblioteca na Biblioteca” em permanente expansão.

Comissariado:

Ricardo Nicolau, adjunto da direção artística do Museu de Serralves e Mário Moura, Professor de design gráfico na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto

"Intervenções: A propósito do público e do privado" é um projeto de Antoni Muntadas especificamente concebido e produzido para a Casa de Serralves em 1992. Constituído por 21 elementos em latão, cada um contendo a designação do correspondente espaço na Casa quando habitada e a fotografia da época (quando existente), o projeto representa uma das plataformas de pesquisa de eleição do artista.

Sobre este seu projeto, Muntadas escreve na publicação editada por Serralves em 1992:

"O projeto centra-se na observação e reflexão sobre o ‘privado’ e o ‘público’, as suas respetivas funções e o modo como um lugar privado se converte em lugar público e vice-versa. (...)

É-me fácil perceber que muitas vezes o uso e a distribuição do espaço na esfera do ‘público’ recriam a organização hierárquica do ‘privado’. O ‘público’ e o ‘privado’ partilham estruturas de organização, poder e tomada de decisão aparentemente similares.

A memória do ‘privado’ a partir da identificação de lugares ou espaços através de designações (textos/imagens) deverá constituir o ponto de partida para a reflexão sobre o uso e o consumo do ‘privado’ e do ‘público’ encarados numa perspetiva cultural (uma vez assumidas as perspetivas política e social).”

Com o Projeto CEE, 1992, Muntadas procurou centrar a sua atenção na relação entre os símbolos culturais e a economia, questionando os objetivos e as proezas económicas da Comunidade Europeia. O futuro cultural de uma Europa unida, apresentado sob a forma de um tapete com 6 x 4 metros, mostra a bandeira europeia, com a representação da moeda de cada Estado-membro em cada uma das doze estrelas. Nesse ano, várias cópias do tapete foram exibidas noutros espaços públicos de cidades europeias, como Bruxelas, Dublin, Londres, Madrid, Montpellier, para além do Porto.

Exposição comissariada por Ricardo Nicolau, adjunto da Direção do Museu de Serralves. 

Conceito: Tacita Dean e Marta Moreira de Almeida 

Uma exposição organizada pelo Museu de Arte Contemporânea de Serralves, coordenada por Filipa Loureiro e Marta Almeida, com a colaboração de Nuno Crespo e Marta Mateus.

Exposição monográfica de Ana Vieira (Coimbra, 1940 – Lisboa, 2016), uma das artistas mais relevantes da arte portuguesa entre a década de 1960 e a atualidade. Representada na Coleção de Serralves com obras em vários meios – objetos, instalação, fotografia, gravura – que refletem a diversidade da sua prática e o caráter pioneiro da sua crítica aos meios tradicionais da arte, nomeadamente a pintura e a escultura, Esta mostra, organizada quase vinte anos depois da exposição retrospetiva de Ana Vieira na Casa de Serralves, permitirá reavaliar o papel histórico desta artista e perceber a surpreendente atualidade das suas propostas artísticas. Além disso, representa um assinalável regresso da artista a um contexto que sublinha as relações entre espaço doméstico e público, entre interioridade e exterioridade, que caracterizam a sua linguagem artística.   

Robert Mapplethorpe (Nova Iorque, 1946–1989, Boston) criou algumas das imagens mais icónicas, polémicas e surpreendentes da fotografia contemporânea. Robert Mapplethorpe: Pictures, exposição organizada em estreita colaboração com a Robert Mapplethorpe Foundation, reúne 159 obras de toda a sua carreira, desde as primeiras colagens e polaroides até às fotografias de flores, nus, retratos e imagens de cariz sexual que fizeram de Mapplethorpe um dos fotógrafos mais notáveis do século XX.

Antes de escolher a fotografia como meio, Mapplethorpe estudou pintura e escultura em Nova Iorque e foi influenciado pela arte de Joseph Cornell e Marcel Duchamp, mas também pela fotografia do século XIX de Julia Margaret Cameron e outros, de que se tornaria um ávido colecionador. As suas primeiras colagens, assemblagens e fotografias (estas inicialmente realizadas com uma câmara Polaroid) revelam o interesse crescente na sexualidade e na composição — ângulos retos, formas geométricas de luz — que viria a definir a sua obra matura. Trabalhando a partir de 1975 com uma câmara Hasselblad totalmente manual, cujo visor enquadrava o mundo num quadrado, Mapplethorpe começa a recorrer a exposições longas e composições metodicamente dispostas e ordenadas no seu estúdio para criar retratos, nus e naturezas-mortas, cujos equilíbrio, ordem e conteúdo redefiniram a fotografia como forma artística. 

Mapplethorpe tratou todos os seus temas com igual atenção e precisão, desde órgãos sexuais ou arranjos de flores até aos retratos de amigos, amantes, celebridades e colaboradores, transformando a fotografia numa performance controlada entre o artista e o seu sujeito. Controverso e classicista, o interesse pioneiro de Mapplethorpe por sexo, género e raça reflete-se em imagens de corpos, prazer e desejo homossexuais e não heteronormativo e em fotografias suspensas na tensão — como acontece na totalidade da obra do artista — entre a intensidade emotiva e política dos seus conteúdos e a clareza da sua composição. 

Todas as obras de arte expostas são propriedade da Robert Mapplethorpe Foundation, Nova Iorque.

Poucos artistas vivos do nosso tempo conseguiram o reconhecimento e a notoriedade de Anish Kapoor (Mumbai, 1954). A sua vasta e significativa obra escultórica é concebida para e à escala de corpos, cidades e paisagem, e da profusão de contextos em que está instalada, desde a escala urbana de metrópoles como Londres, Nápoles, Nova Iorque e Chicago, até às encostas ondulantes de Inglaterra e da Nova Zelândia. Em anos recentes, Kapoor também tem sido convidado a apresentar o seu trabalho em alguns dos mais belos jardins formais do mundo, incluindo os Jardins de Kensington, em Londres, e o Palácio de Versalhes. O Museu e o Parque da Fundação de Serralves proporcionam ao encontro com a obra do artista uma plataforma de história política e ordem espacial diferentes. 

O conjunto constituído por uma moradia art déco, projetada por Charles Siclis e José Marques da Silva, os jardins formais de autoria do famoso arquiteto paisagista francês Jacques Gréber, jardins românticos, bosques e quinta, e o edifício de um museu contemporâneo, biblioteca e auditório projetado por Álvaro Siza, é considerado uma das mais harmoniosas combinações de arquitetura e paisagem da Europa.

Neste contexto privilegiado, a exposição reúne uma seleção de trabalhos de exterior representativos da linguagem escultórica de Kapoor, para a qual a materialidade, a escala, o relacionamento com a arquitetura, a paisagem e o observador são fatores constitutivos.

A sua escolha e a sua localização relativa no Parque de Serralves foram cuidadosamente definidas pelo artista para criar um itinerário através do tempo, do espaço, das formas de perceção e de atribuição de significado. A apresentação no espaço expositivo central do Museu de 56 maquetas de projetos executados e não executados concebidas nos últimos quarenta anos remete para a escala íntima do ateliê do artista, como espaço de pensamento e de experimentação.

Martine Syms (Los Angeles, California, USA, 1988) é uma artista residente em Los Angeles. Recorrendo ao vídeo e à performance, Syms examina representações de negritude e a sua relação com a narrativa, o vernáculo, o pensamento feminista e as tradições raciais. A sua obra engloba temas tão diversos como afro-futurismo, teoria queer, o poder da linguagem e a natureza espiritual da cor púrpura.