Itinerâncias Nacionais

Constituído pelos artistas portugueses René Bertholo, Lourdes Castro, António Costa Pinheiro, João Vieira, José Escada e Gonçalo Duarte, pelo búlgaro Christo e pelo alemão Jan Voss, o grupo KWY congregou-se em Paris em torno da edição da revista homónima, publicada entre 1958 e 1964. A partir de finais dos anos 1950, o grupo foi responsável pela abertura da arte portuguesa ao contexto internacional e pela franca adesão às novas linguagens figurativas que deram impulso a um dos períodos mais estimulantes da cultura europeia do século XX.

A exposição parte do espírito cosmopolita e experimental da revista KWY e apresenta uma seleção de obras e publicações de artista da Coleção de Serralves da autoria de artistas que integraram o grupo KWY e de artistas portugueses e estrangeiros que colaboraram no seu projeto editorial, como Raymond Hains e Jorge Martins. No seu conjunto, a exposição demonstra como o interesse, simultaneamente entusiasta e crítico, pelas novas configurações do real, pelos objetos e acontecimentos quotidianos, pela sociedade de consumo e pela omnipresença da imagem no espaço público é um sinal de como a arte se pode colocar no centro dos acontecimentos socioculturais do seu tempo. Esta iniciativa integra-se num programa de exposições e apresentação de obras da Coleção de Serralves especificamente selecionadas para os locais de exposição com o objetivo de tornar o acervo acessível a públicos diversificados de todas as regiões do país.

Produção: Fundação de Serralves — Museu de Arte Contemporânea, Porto

Imagem: de René Bertholo, a partir de serigrafias de Lourdes Castro, Corneille, Peter Saul e António Costa Pinheiro. KWY, n.º 10, Paris, Outono de 1962. Coleção de Livros e Publicações de Artista da Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Porto

 

Conversa entre o curador da exposição João Silvério, Ana Anacleto (curadora de arte contemporânea) e João Queiroz (artista representado na exposição), em torno das coleções e da figura do Alexandre O’Neill.

Neal Slavin (Brooklyn, Nova Iorque, 1941) era um jovem fotógrafo quando em 1968 visitou Portugal com uma bolsa Fulbright e fotografou o país. As suas imagens, em que se percebe a influência da ‘fotografia de rua’ americana, constituem um contributo imprescindível para a compreensão da fotografia contemporânea e um documento riquíssimo para entender o país que Portugal era em finais da década de 1960, em plena "ditadura benevolente” (como a apelidaram alguns cronistas da época). Algumas das fotografias foram expostas no Museu de Arte Antiga em Lisboa em 1968.  Mas só em 1990, no contexto da FOTOPORTO-BIENAL DE FOTOGRAFIA foi organizada uma grande exposição, PORTUGAL 1968, que apresentava o ambicioso projeto de Neal Slavin de uma forma ampla.  As suas fotografias que integram a Coleção da Fundação de Serralves serão agora apresentadas no Teatro Municipal de Vila Real, numa exposição que, cerca de 50 anos depois, continua a interrogar a imagem de Portugal.  

Horários da exposição:

Terça a quinta: 14h00-22h00

Sexta e sábado: 14h00-24h00

Domingos, segundas e feriados: 14h00-20h00.

João Tabarra

Lisboa, 1966

Vídeo, 2' 3'', loop, 60' 

Col. Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto

Aquisição em 2006

Barricades improvisées (Barricadas improvisadas) tem como base uma imagem que foi considerada um símbolo de resistência face à brutalidade do poder: a do jovem solitário e desarmado que fez parar uma fileira de tanques de guerra durante os confrontos na Praça de Tiananmen, em Pequim (China), em junho de 1989. Na recriação da cena o artista assume o papel do herói anónimo que, agora, defronta serenamente uma fileira de carrinhos de supermercado vazios. A situação de impasse, cuidadosamente coreografada, constitui uma metáfora do poder que a sociedade de consumo e os ditames da economia assumem na vida dos cidadãos comuns.

A fotografia e o vídeo são os meios mais utilizados por João Tabarra (Lisboa, 1966), cujo percurso artístico foi influenciado pela sua experiência profissional como repórter fotográfico, na década de 1990. Situando-se na fronteira entre o imaginário e o real, a sua obra remete permanentemente para referências da cultura contemporânea (literatura, cinema, música, televisão), através das quais é elaborado um discurso critico sobre as tensões entre o sujeito e os modelos sociais e económicos pós-capitalistas.

"O regresso do objeto” apresenta uma seleção de obras de artistas que sedimentaram os seus discursos artísticos nos anos 1980. Estes trabalhos marcam uma reação à predominância da arte minimal e conceptual nas décadas anteriores, através do regresso à pintura e à escultura e ao uso de materiais tradicionais como o ferro, o bronze e a madeira. Assistimos a um regresso a temas clássicos da história da arte, ao ressurgimento de um imaginário figurativo e metafórico associado a títulos poéticos e evocativos e à proximidade com as artes decorativas e a cultura popular. 

Esta diversidade relaciona-se com o começo da globalização que coloca em contacto e em influência mútua culturas muito diversas. A exposição é uma oportunidade para revisitar a produção artística desta década que, representando o fim do isolamento a que a ditadura tinha votado Portugal, revela um crescente sincronismo com o contexto artístico internacional. 

Esta iniciativa integra-se num programa de exposições e apresentação de obras da Coleção de Serralves especificamente selecionadas para os locais de exposição com o objetivo de tornar o acervo acessível a públicos diversificados de todas as regiões do país. 

Ângelo de Sousa (Lourenço Marques, Moçambique, 1938-2011, Porto), além de ser uma das figuras mais influentes da arte portuguesa da segunda metade do século XX, é um dos artistas melhor representados na Coleção de Serralves, com trabalhos realizados entre os anos 1961 e 2002, e que abarcam todos os meios artísticos a que ele se dedicou ao longo da sua prolífica carreira: desenho, pintura, escultura, instalação, filme e fotografia.

"Ângelo de Sousa: Quase tudo o que sou capaz” junta uma parcela muito considerável destas obras — desenhos, pinturas e esculturas — com o objetivo de sublinhar a importância da contaminação entre aquelas disciplinas para a evolução da sua prática artística: ao reunir obras de vários períodos da sua carreira, esta exposição combate a imagem dominante do pintor Ângelo, mostrando que o desenho e a escultura são não apenas facetas fundamentais da sua obra como aquelas em que porventura é mais evidente o espírito experimentalista da sua obra.  

Caracterizados por uma aparente simplicidade — o artista tenta obter, nas suas palavras, "o máximo de efeitos com o mínimo de recursos, o máximo de eficácia com o mínimo de esforço, e o máximo de presença com o mínimo de gritos” —, os desenhos, pinturas e esculturas de Ângelo de Sousa não ilustram conceitos, nunca partem de ideias, mas da ânsia de fazer e pensar com as mãos. A exposição sublinha esta vontade de trabalhar com elementos simples, ao apresentar as primeiras obras de Ângelo de Sousa, ainda figurativas mas apontando já para a depuração que viria a caracterizar o artista, lado a lado com os exercícios abstrato-geométricos — nomeadamente desenhos, telas e esculturas — que o impuseram como um dos maiores estudiosos da cor e da luz.  

"Ângelo de Sousa: Quase tudo o que sou capaz” integra-se num programa de exposições e apresentação de obras da coleção de Serralves especificamente selecionadas para os locais de exposição com o objetivo de tornar o acervo acessível a públicos diversificados de todas as regiões do país.

Produção: Fundação de Serralves — Museu de Arte Contemporânea, Porto 

O edifício encontra-se aberto todos os domingos para visitas guiadas. 

A entrada na portaria é possível entre 9h30 e as 12h00 e entre as 14h30 e as 17h00, sendo que as visitas se realizam nos seguintes horários: 10h15, 11h15, 12h15 (manhã) e 15h15, 16h15, 17h15 (tarde).

Viagem ao Princípio: Ida e Volta assinala o 30.º aniversário da coleção da Fundação de Serralves através da apresentação de obras que têm um lugar destacado na génese e na história da coleção e do Museu. A exposição, além de ocupar os espaços do Museu, Casa e Parque de Serralves, estende-se para fora das portas da Fundação, numa tradução da sua estreita relação com a cidade do Porto – que, ao longo das últimas três décadas, se consubstanciou quer em importantes exposições de artistas e contextos culturais afirmados naquele que é considerado um dos centros de criação artística mais ativos em Portugal, quer através de mostras realizadas para alguns espaços emblemáticos da cidade. 

Nos Paços do Concelho apresentam-se obras do artista português Rui Chafes (Lisboa, 1966) e do norte-americano Matt Mullican (Santa Mónica, 1951), dois nomes que ocupam um lugar fundamental na história de Serralves. Rui Chafes, além de ter apresentado o seu trabalho em várias exposições no Museu de Serralves – e de ser um dos artistas mais amplamente representados na Coleção da Fundação –, tem uma relação particular com a cidade do Porto, onde expõe regularmente e onde inclusive se pode ver uma sua escultura pública (na Rua das Flores). Com um trabalho que se divide entre a prática do desenho e da escultura, o artista é um dos principais responsáveis pela renovação da escultura portuguesa nas últimas décadas. Conhecido pelos seus trabalhos em ferro em que associa características aparentemente inconciliáveis – nomeadamente atualidade e antiguidade, peso e leveza –, num constante desafio a todas as leis temporais e físicas (desde logo a gravidade), Rui Chafes tem-se destacado pela forma como interroga o papel da arte, e a sua relação com o espectador. Segundo o artista, "Se a arte não nos desperta, então não há nenhuma razão para a fazer. E quem a contemplar perderá o seu tempo.” Confrontando-nos com as características essenciais da prática artística, alheias a tendências e a temporalidades, e atento a questões primordiais que atravessam séculos – como a morte e a transcendência –, o trabalho de Chafes é simultaneamente contemporâneo e antigo: na intersecção entre passado e futuro, contribui decisivamente para fazer desta Viagem ao Princípio: Ida e Volta, exatamente como a famosa fita de Möbius, uma viagem sem princípio nem fim.             

Segunda a Sexta-feira, entre as 09h00 e as 17h00

Encerrado: Sábados, Domingos e Feriados

IMAGENS DO DOMÉSTICO E DO URBANO NA COLEÇÃO DE SERRALVES

O título desta exposição corresponde à expressão com que asseguramos a alguém que a nossa hospitalidade é sincera; também institui a casa enquanto centro de uma relação entre duas ou mais pessoas - dialética que pode sintetizar a dinâmica entre artista e espectadores: as casas imaginadas por artistas serão temporariamente a nossa casa. 

É, de facto, muito considerável a quantidade de artistas para quem a casa é tema e pretexto. Os artistas e as obras presentes nesta exposição colocam o doméstico e o quotidiano no centro das suas preocupações, propondo diferentes interpretações daquilo que se entende por casa. 

Independentemente do ângulo adotado, a casa parece sempre encetar um jogo subtil entre o privado e o público. Talvez por isso alguns dos artistas presentes em "A Minha Casa é a Tua Casa” sublinhem a relação da casa com a rua e com a cidade, dedicando-se a pensar questões eminentemente urbanísticas.

Aos ideais utópicos e de libertação do homem que estiveram na base da arquitetura e do urbanismo modernistas, estes artistas contrapõem modelos vernaculares de ampliação de casas (as marquises) ou um território desordenado em que se mesclam organismos urbanos e rurais, outrora coerentes e estanques. 

Na exposição serão apresentadas obras de: Filipa César, Pedro Cabrita Reis, Ângela Ferreira, Fernanda Fragateiro, Gordon Matta-Clark, Bruce Nauman, Martha Rosler, Miguel Ângelo Rocha, Tony Cragg, Gil Heitor Cortesão, Juan Munoz

Produção: Museu de Arte Contemporânea — Fundação de Serralves, Porto

Helena Almeida produziu desde a década de 1960 uma obra singular caracterizada por um marcado interesse pelo corpo, o seu lugar central — que regista, ocupa e define o espaço — e o seu encontro performativo com o mundo. As primeiras telas abstratas da artista abordavam de forma crítica os limites do espaço pictórico e as condições literais da pintura. Esse interesse estendeu-se nos anos 1970 à fotografia, onde o inconfundível espaço do ateliê da artista e o corpo feminino, fragmentado ou parcialmente obscurecido, se tornaram presenças recorrentes. É o caso da obra Sem título, de 1994-95, que integra esta exposição: uma sequência fotográfica de vinte elementos onde a artista se fez fotografar a distâncias várias e onde a escala e o número de elementos que a constituem, associados à dimensão espacial que sobressai do percurso/performance da artista pelo espaço fotografado, revelam uma abordagem inovadora à relação do corpo com o espaço.

Apesar de trabalhar em meios vários, a artista delineia meticulosamente esta coreografia e a composição de muitas das suas obras em estudos e desenhos preparatórios que evidenciam a sua utilização da cor e o poder psicológico do corpo humano. Nas palavras de Helena Almeida: "a minha obra é o meu corpo, o meu corpo é a minha obra”.

A visita a esta obra está sujeita às condições habituais de acesso ao Palácio da Bolsa

Exibição da obra em paralelo com a exposição antológica da artista no Museu de Serralves.

Joana Vasconcelos (Paris, 1971) expõe regularmente desde meados da década de 1990. A natureza do seu processo criativo assenta na apropriação, descontextualização e subversão de objetos pré-existentes e realidades do quotidiano. Esculturas e instalações, reveladoras de um agudo sentido de escala e domínio da cor, assim como o recurso à performance e aos registos vídeo ou fotográfico, colaboram na materialização de conceitos desafiadores das rotinas programadas do quotidiano. Partindo de engenhosas operações de deslocação, reminiscência do readymade e das gramáticas nouveau réalisme e pop, a artista oferece-nos uma visão cúmplice, mas simultaneamente crítica, da sociedade contemporânea e dos vários aspetos que servem os enunciados de identidade coletiva, em especial aqueles que dizem respeito ao estatuto da mulher, diferenciação classista, ou identidade nacional. Resulta desta estratégia um discurso atento às idiossincrasias contemporâneas, onde as dicotomias artesanal/industrial, privado/público, tradição/modernidade e cultura popular/cultura erudita surgem investidas de afinidades aptas a renovar os habituais fluxos de significação característicos da contemporaneidade.

Numa visita ao Parque de Serralves, somos naturalmente confrontados com a mestria e a beleza do seu desenho, o seu valor histórico, a sua diversidade de cores, aromas, formas e texturas, a sua fauna e a sua flora. No entanto, há muito mais para admirar para além do que naturalmente se consegue observar a olho nu, e que a exposição "O Parque em Macro II” permite, novamente, descobrir . A macrofotografia, que tem o propósito de captar detalhes de pequenos objetos ou de pequenos seres vivos, muitas vezes invisíveis à vista desarmada, é a técnica utilizada para esta mostra de imagens em grande formato. A fauna e a flora do Parque são evidenciadas num universo imenso e pouco explorado, causando a admiração e o deslumbre por este outro mundo escondido, misterioso e fascinante que também nos rodeia. O Parque de Serralves, classificado como Monumento Nacional desde 2012, e, reconhecido na publicação The Gardener’s Garden, da editora Phaidon, como um dos 250 jardins mais notáveis do mundo, oferece com estas fotografias um motivo adicional para uma fruição prolongada dos seus espaços singulares.

A presente exposição apresenta um conjunto de obras provenientes da Secretaria de Estado da Cultura (SEC) em depósito no Museu de Arte Contemporânea de Serralves desde a criação da Fundação de Serralves e demonstra a importância que a pintura e a escultura tiveram ao longo das décadas de 1960-80 na renovação das linguagens artísticas em Portugal. As obras escolhidas atestam os diversos níveis de diálogo e confluência formais que os artistas portugueses souberam estabelecer entre si e com o contexto internacional a partir do pós-guerra. 

O acervo proveniente da SEC foi um dos primeiros a integrar a Coleção de Serralves cimentando uma presença dos artistas portugueses e orientando futuros reforços de obras dos mesmos artistas, com bases para a consolidação do âmbito cronológico na contemporaneidade e nos diversos eixos temáticos a ela associados.

Esta iniciativa integra-se num programa de exposições e apresentação de obras da Coleção de Serralves especificamente selecionadas para os locais de exposição com o objetivo de tornar o acervo acessível a públicos diversificados de todas as regiões do país. 

Produção: Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Porto.

Imagem: João Vieira, Sem título (La Chair est Triste) (detalhe),1966. Col. Secretaria de Estado da Cultura, em depósito na Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Fotografia: Angel Ordiales, © Fundação de Serralves, Porto.

O caráter manual, premeditadamente mal feito e mal acabado de algumas obras de Ana Jotta (Lisboa, 1946) pode ser entendido como uma crítica à eficiência e ao profissionalismo de que todas as atividades (incluindo as artísticas) parecem estar hoje reféns. Defendendo ser o artista um "transformador” de objetos do quotidiano — aqueles que todos vemos mas que só alguns reconhecem como bizarros, intrigantes —, Jotta assume-se como uma copista e uma acumuladora de objetos, imagens e palavras, de que se apropria despudoradamente e que utiliza com e sem transformações: tudo é digerido, descontextualizado e transformado na sua própria arte. 

Em Joana, Ana Jotta apropria-se de materiais existentes, descartados e pobres (rodas de bicicleta e garrafas de vinho), para fazer uma paródia a um dos maiores símbolos de luxo e de poder — o candelabro, omnipresente em palácios e outras tipologias arquitetónicas ligadas ao poder político e financeiro. Ao mesmo tempo, este trabalho relaciona-se diretamente com duas das obras que mais imediatamente ilustram a vanguarda artística — a roda de bicicleta 1914 e o célebre secador de garrafas de Marcel Duchamp, de 1917.

Esta iniciativa resulta de uma parceria da Fundação de Serralves com a Infraestruturas de Portugal, entidade gestora da Estação do Rossio.